William Eggleston's Guide

彷彿世界存在本身就是彩色的

新傳統改變了我們對世界上什麼是有意義的理解

從攝影史的角度來看，也許直到  Alfred Stieglitz 和 Eugene Atget 時代，才華洋溢的攝影師，才學會以一貫大膽的方式使用整個底片的畫面。這個凸顯本世紀初攝影的「新底片經濟學」，可以用傳統的「構圖」概念來描述，但也許更好的理解，是開創了基於細節表達可能性的，新的象徵系統。

有天賦的攝影師從他們前輩的成功中學習，很快就獲得了意會和預期到「主題」、「情境」、「視角」和「光線質感」某些方面的效果，這些效果可能會產生有意義的照片。原創的攝影師透過發現新的模式，來擴大這種共同認知的可能，這些新的模式將作融入到他們意指的隱喻。傑出藝術家不斷累積見解的形成並改革了攝影的傳統；一種基於具體、碎片、省略、短暫和過渡的新的圖像語彙，這種新傳統改變了我們對世界上什麼是有意義的理解，以及我們去理解如何描述有意義的事物。

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在過去的十年中，許多攝影師開始以一種更自信、更自然、更野心勃勃的精神進行彩色創作，他們的努力並不再把色彩當作一個單獨的問題，一個需要有待解決的孤立問題 ( 不像 70 年前的攝影師處理構圖那樣去處理色彩)，而是彷彿世界存在本身就是彩色的，彷彿天空本來就是藍色的。Eliot Porter 最好的風景畫，就像 Helen Levitt、Joel Meyerowitz、Stephen Shore 最好的彩色街頭照片一樣。Stephen Shore 和其他人認為色彩具有存在性和描述性，這些照片不是形狀、紋理、物體、符號或事件的照片一樣，它們也不是色彩的照片，它們是整體經驗的照片。

—— John Szarkowski，《William Eggleston's Guide》導言

讀完以上 John Szarkowski 的導言之後，我們會發現「彩色攝影之父」，對於 William Eggleston 是一個吸睛但很難完全理解的稱號。事實上 William Eggleston 的生涯，也是受 Robert Frank 以及 Henri Cartier-Bresson，從拍攝黑白，以及對「構圖」還有主題的講究開始的。1965 年左右，William Eggleston 在受到同樣出身南方的攝影師 William Christenberry 的鼓勵下，開始拍攝彩色底片。

然而這個時期，William Eggleston 意識到，他並不該像 1950 年代的 Ernst Haas 一樣，把色彩當作照片中去凸顯的語彙，而使用豐富且高飽和的色彩，William Egglestom 選擇用色彩，如實的去表現他所根植的美國南方鄉村景象，好像攝影一直以來都是彩色，而非曾經被奉為圭臬的黑白語言。

1969 年，William Eggleston 被引介給時任紐約 MoMA 攝影部主任的 John Szarkowski，並促成了後來 1976 年的個展〈William Eggleston's Guide〉。這是 MoMA 第一次以彩色攝影為主體的現代攝影藝術展，從 William Eggleston 於 1969 至 1971 年之間的 375 幅作品中，選出 75 幅展覽，最後再從 展覽的 75 幅作品中，挑選出 48 幅，製成同名的攝影集，也是 William Eggleston 的第一本出版作品《William Eggleston's Guide》。

這本《William Eggleston's Guide》所拍攝的主題，是 William Eggleston 的家鄉曼菲斯 ( Memphis ) 周圍的景象，以及 William Eggleston 身邊最親近的家人朋友，如 John Szarkowski 所言，極為「本土化」和「私人化」的，「像家庭相簿一樣隱蔽」，一如壓制的皮料質感封面，帶給人私人相簿的設計感。而那些散落路面的水罐，車庫邊緣的火爐，低視角而顯得巨大的兒童三輪車，或是空無一物的非色烤箱內部，除了呈現非社會性的，非刻板印象中的美國南方鄉村，也透露出 William Eggleston 後來「民主地拍攝」，「與顯而易見的事情抗戰」的未來創作方向。

出版年：2002 年

尺寸：H236mm x W236mm，精裝

頁數：112 頁